Tipografías en los títulos de crédito Capítulo 0 - Introducción

¿Recuerdas como empezaba la última película o serie que viste? Y de cómo aparecieron los títulos de crédito, ¿te acuerdas? De un tiempo a esta parte, plataformas como Netflix han adquirido gran popularidad entre una audiencia ávida de más y nuevos títulos. Con una abrumadora oferta de contenido, en apenas unos segundos el espectador puede tomar la decisión de seguir viendo la serie o película que acaba de empezar o bien cambiar y ver otra que le convenza más. Ante esto, las cabeceras o comienzos de las series y películas (de las primeras, sobretodo) han ido adquiriendo una especial importancia con el objetivo de generar una atmósfera que envuelva al espectador cuando se introduce en la historia, de modo que se sienta atraído y decida quedarse. Para generar esta atmósfera, el medio cinematográfico cuenta con diversas herramientas. Ya lo adelanto. Sí. Entre ellas, también la tipografía.

Una historia tiene tantas formas de ser contada como personas existen en el mundo. Pero cuando contamos una historia no solo empleamos palabras, ¿verdad? Envolvemos esas palabras en una intensidad y una velocidad concretas. Un acento y una entonación. Una serie de gestos. Todo ello genera el «tono» del contenido, el cual interpretamos a través de unos códigos compartidos en un contexto sociocultural determinado. De tal modo, la tipografía, como la música, envuelve al espectador en la historia y le dirige sutilmente a interpretar el tono en el que es contada, pudiendo quedar, sin darse cuenta, inmerso en ella.

El discurso tipográfico en el ámbito cinematográfico ha sido ampliamente referido y estudiado, principalmente, a través del análisis de los carteles con los que las películas se presentan y llaman al potencial espectador para ir a verlas. Estilos tipográficos, colores, tamaños y un largo etcétera, forman parte de los recursos habituales del diseñador/a para comunicar a través de la letra impresa. Pero la relación de la tipografía con el cine se extiende más allá del soporte impreso. Es por ello que hemos querido poner el foco en el soporte audiovisual, en el que, a los recursos anteriores, hemos de añadir uno más: el movimiento.

Este artículo se crea así, con la intención de ser el primero de una serie de artículos centrados en la interacción de la tipografía con las imágenes en movimiento de las cabeceras de series y películas. Nuestro objetivo es conocer cómo se articula tal interacción en relación con la historia que se pretende contar y comprender qué efecto genera. Para ello analizaremos, por un lado, las características de la tipografía empleada; y, por otro, el modo en el que se introduce en la imagen en movimiento que, en conexión con la música empleada, genera una amalgama de información que percibimos, generalmente, de manera inconsciente.

Si bien este artículo es, por tanto, introductorio a los que vendrán después, es quizás interesante que empecemos por el principio, ¿no os parece? Con el cine mudo, el uso de la tipografía era, eminentemente, descriptiva. Además de ser empleada en los títulos de crédito, se empleaba como medio para generar el contexto. Es por ello que, como nos cuenta Julia May , los rotulistas encargados de componer estos textos optaban por un tipo de letra de estructura amplia y remates livianos, de modo que pudiera leerse cómoda y rápidamente.

 

Extracto de una película del cine mudo donde vemos la tipografía utilizada.
Gif de una película muda. Tipos de Tipografía en el Cine Mudo.

 

A medida que la producción cinematográfica crecía, la tipografía fue adquiriendo un cariz más expresivo. El tipo de letra empleado en los títulos empezaba ya a ser planteada como declaración de intenciones de lo que estaba por venir.

 

Estilos de tipografía en las películas, desde las películas mudas hasta hoy.
Original de la serie: Back from the grave!

 

Desde una perspectiva histórica, muchos consideran al director J. Stuart Blackton (Humorous Phases of Funny Faces, 1906) precursor de la secuencia moderna de los títulos de crédito. No obstante, en este capítulo introductorio queremos situar nuestro punto de partida en el trabajo del diseñador Saul Bass quien, junto a sus coetáneos Pablo Ferro, Maurice Binder y Richard Williams, reformuló el discurso visual de los títulos de crédito.

En su trabajo, Bass formula los títulos de crédito como una extensión de la propia película, de modo que te sumerge en ella apenas en los primeros segundos de la cinta. En una entrevista para Film Quartely (1996), el diseñador expresa:

Mi idea inicial sobre qué puede hacer un título era establecer el tono y la línea argumental principal de la historia, para expresar la historia de algún modo metafórico.

Esta idea que expresa sobre los títulos en sus carteles la extrapola a sus trabajos en los títulos de crédito. En ellos, Bass introduce el elemento cinético en la tipografía, generando que el espectador se vaya sumergiendo sutilmente en la atmósfera de la historia. Algunos de sus trabajos más icónicos en esta línea son los realizados en colaboración con los directores Otto Preminger (The Man with the Golden Arm, 1955; Anatomy of a Murder, 1959) y Alfred Hitchcock (Vértigo, 1958; North by Northwest, 1959; Psycho, 1960), que forman parte del total de 55 películas en las que trabajó. Precisamente fruto de su colaboración con Hitchcock será el primer título que abordaremos en el próximo artículo como la primera entrega de nuestra serie. North by Northwest, 1959. Os dejamos la secuencia para ir abriendo boca.

 


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